Histoire de la guitare classique : chœurs de cordes, Torres et nylon

Le Metropolitan Museum of Art situe les sources écrites sur la guitare au XIVe siècle. Les guitares de la Renaissance avaient souvent quatre chœurs et celles du Baroque cinq, fréquemment avec des cordes par paires. Un chœur est une unité jouée ensemble : il peut comprendre une corde ou plusieurs cordes rapprochées. Il faut donc distinguer le nombre de chœurs du nombre total de cordes. Une guitare du Met datée vers 1800 est expressément cataloguée avec six cordes et des chœurs simples.

De nombreux instruments à cordes pincées existaient en Europe, en Afrique du Nord et au Moyen-Orient, et les grandes histoires d'origine exagèrent souvent la ligne directe entre un objet ancien et la guitare moderne. L'histoire fiable suit les instruments, la musique et les ateliers documentés plutôt que la seule ressemblance visuelle.

À la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, six cordes simples se sont progressivement imposées. Les ateliers ont développé frettes fixes, chevalets à sillet, touches surélevées et nouvelles proportions de caisse. Des compositeurs et interprètes comme Fernando Sor et Mauro Giuliani ont travaillé avec des guitares antérieures au futur format espagnol de concert. La transition a été progressive selon les ateliers, sans date de conversion universelle.

Le passage des cordes jumelées à six cordes simples a simplifié l'accordage, l'articulation et la maintenance tout en élargissant le contrôle mélodique et harmonique. L'accordage familier E–A–D–G–B–E est devenu un standard durable, même si des alternatives locales et historiques sont restées.

Les musiciens du XIXe siècle ont écrit des études, de la musique de chambre, des chansons et des œuvres pour solo qui traitaient la guitare comme plus qu'un simple accompagnement. L'instrument a prospéré dans les environnements domestiques et de salon, mais sa projection limitée est restée un défi dans la culture des concerts plus large de la période romantique.

Les fabricants recherchaient donc des tables d'harmonie plus réactives, des manches stables, des longueurs d'échelle utiles et des corps capables de remplir une pièce sans devenir structurellement lourds. Ces pressions ont préparé le terrain pour la guitare de concert espagnole.

Antonio de Torres Jurado a travaillé en Espagne dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le Met situe ses débuts dans les années 1850 et présente ses guitares de concert comme l’aboutissement de changements antérieurs dans la caisse, la table et la construction. Torres a perfectionné un format de concert plus grand et utilisé un barrage en éventail pour soutenir la table.

Il est plus sûr de dire que Torres a standardisé et démontré un système très influent plutôt que de prétendre qu'il a inventé chaque fonctionnalité. Le barrage en éventail existait sous des formes similaires, et d'autres fabricants y ont contribué. Ses instruments ont montré comment la géométrie du corps, la construction légère et le contrôle de la table d'harmonie pouvaient produire une voix de concert plus forte.

Plus tard, des ateliers espagnols, y compris la tradition Ramírez et des fabricants tels que Santos Hernández, ont développé le système davantage. Torres est devenu une référence parce que sa logique de conception s'est avérée transférable, et non parce que toutes les guitares classiques ultérieures ont copié des mesures identiques.

Francisco Tárrega a contribué à établir la technique et le répertoire modernes à la fin du XIXe siècle. Au XXe siècle, Andrés Segovia a élargi la présence internationale de la guitare dans les concerts, encouragé de nouvelles compositions et travaillé en étroite collaboration avec les facteurs. Le Met conserve la guitare Manuel Ramírez de 1912 associée à ses débuts de carrière et la guitare Hermann Hauser de 1937 qu'il a ensuite largement utilisée.

La conception a évolué par la collaboration entre interprètes et ateliers. Les musiciens exprimaient des besoins de projection, d’équilibre, de tenue de note et de réponse ; les luthiers y répondaient par la structure, le barrage, le diapason et le travail de fabrication. Concerts, enregistrements et enseignement ont diffusé ces instruments et leur répertoire.

Ségovie a été influente, mais l'histoire de la guitare classique ne se résume pas à un seul artiste. Les écoles régionales, les interprètes et compositrices, les traditions latino-américaines, la pratique du flamenco et de nombreux ateliers ont également façonné la technique et le répertoire.

Le Met date la guitare Ramírez / Hernández de 1912 et la Hauser de 1937 : ce sont les dates des objets. La fiche Hauser décrit son utilisation par Segovia de 1938 à 1962. Fabrication, acquisition et usage en concert sont des événements distincts ; la date de l’objet ne remplace pas les trois.

Les créateurs et joueurs de flamenco ont développé des instruments optimisés pour une attaque rapide, une clarté rythmique et des techniques physiques telles que le golpe. Les exemples traditionnels utilisent souvent une construction légère, un dos et des côtés en cyprès et une plaque de protection pour robinetterie. Les guitares de concert classiques privilégient souvent le sustain, l'équilibre et une gamme de couleurs plus large.

Les catégories se chevauchent. L'épicéa, le cèdre, le cyprès et le bois de rose ne garantissent pas à eux seuls des résultats garantis, et les fabricants modernes construisent de nombreux hybrides. La construction, la rigidité de la table, l'action et le toucher du joueur comptent plus qu'une simple étiquette de matériau.

Cette histoire explique pourquoi « guitare espagnole », « guitare classique » et « guitare flamenco » peuvent se chevaucher dans la conversation mais ne doivent pas être traitées comme des synonymes exacts lors de la sélection d'un instrument.

Les guitares classiques antérieures utilisaient des aigus en boyau et des basses filées. L’histoire d’Augustine décrit la pénurie de boyau dans les années 1940 et le perfectionnement du monofilament de nylon DuPont par Albert Augustine, avec les retours d’Andrés Segovia. Elle décrit aussi des âmes multifilaments de nylon entourées de métal pour les basses. C’est le récit du fabricant sur ses propres travaux ; la page citée n’établit pas une date initiale unique pour tous les essais, concerts ou lancements commerciaux.

Le nylon a amélioré la cohérence et la durabilité, mais il n'a pas transformé toutes les guitares classiques en le même système. Le diamètre des cordes, la tension, la formulation du polymère et l'enroulement affectent la sensation, l'intonation et la réponse. Les matériaux fluorocarbonés et composites ont ensuite élargi les options.

Le terme « guitare à cordes en nylon » inclut désormais les instruments de scène traditionnels classiques, flamenco, crossover, acoustiques-électriques à pan coupé et à corps fin. Leur famille de cordes partagée n'efface pas les différences de manche, de corps, de barrage ou de technique prévue.

Les constructeurs des XXe et XXIe siècles ont exploré les renforts en treillis, les doubles tables, les composites alternatifs, les touches surélevées, les biseaux des bras et les nouvelles structures du manche. Certaines conceptions recherchent plus de projection ou d’équilibre ; d'autres privilégient le poids, le confort, la stabilité climatique ou l'amplification. Aucune n'a rendu la tradition Torres inutile, et la construction historique reste active.

Les guitares crossover utilisent des sillets plus étroits, des touches arrondies, des pans coupés ou des composants électroniques intégrés pour servir les joueurs à cordes d'acier et électriques. Ils peuvent être des outils utiles, mais ils ne fournissent pas automatiquement l’espacement ou la réponse attendue dans une étude classique formelle. Le répertoire prévu et les exigences de l'enseignant sont importants.

L'histoire devrait donc guider la comparaison plutôt que d'imposer la pureté. Un instrument traditionnel, une guitare flamenco et un nylon de scène résolvent différents problèmes au sein d'une famille apparentée.

La guitare classique s'est développée grâce à des cours, six cordes simples, une conception de concert du XIXe siècle, une collaboration entre interprètes et créateurs et des cordes synthétiques. Torres a établi une référence centrale en matière de construction, tandis que des ateliers et des artistes ultérieurs l'ont transposée dans la pratique des concerts internationaux.

Les guitares classiques, flamenco et crossover modernes sont des résultats liés de cette histoire. La leçon utile n'est pas qu'une spécification historique est obligatoire, mais que le système de cordes, la table d'harmonie, le corps, le manche et la technique doivent fonctionner ensemble pour le rôle musical prévu.